Un sangriento día del AMOR!!!

My bloody Valentine (2009)

Típica película gringa de asesinatos masivos, al más puro estilo de la masacre de Texas y otras cintas del género.

Es esta una secuela del filme del mismo nombre de los años ochenta, que sin ser éxito de taquilla, se convirtió en una cinta de culto para quienes gusten del buen cine gore.

Esta versión fue pensada para las nuevas generaciones, que se asombran con el 3D de Avatar y otras cintas, ya que la gracia es que la sangre parece que sale de la pantalla, sensación que se vive a concho en esa versión de la película.

La trama como se dijo, es similar a la mayoría de las cintas de terror adolescentes, donde hay un loco que deja la embarrada, en este caso, 10 años atrás y deja sumido en la miseria a todo un pueblo, que vivía de la mina donde ocurrió ese asesinato, justo en el día de san Valentín ( de ahí viene el nombre de la cinta) de allí la escalada de delitos es grande, con mucha sangre y tomas espectaculares, con un estudio acabado de la anatomía humana, ya que por ejemplo, en una parte, con su pica de minero, el asesino le atraviesa la quijada a una chica, la que queda boquiabierta junto a una viga de la mina, mientras la sangre chorrea casi a través de la pantalla

Tiene todo lo que puede pedir una cinta de terror-suspenso, un asesino en serie, que hasta el último momento no se sabe quién es, además no lo revelaré para que la vean, mucha sangre, que llega a ser un poquito chocante, muchos cadáveres, que yacen bajo la picota del asesino. Mujeres bellas que son buscadas en son de venganza por este tipo, que se avizora que tiene algo con la mujer protagonista, pues siempre la busca…

El relato es bastante entretenido, no tiene muchos baches y pasa de una, es decir, es rapidito, claro que se detiene un poco en el conflicto final, cosa que realiza con un depurado baño de sangre, al más puro estilo de “los cuentos de la cripta” y otras cintas de cine más bien gore

Los encuadres y la calidad de la imagen es espectacular, acá hacen uso de todo el potencial de la alta definición y del 3D, pues las tomas están hechas para estas nuevas tecnologías y hacen parecer aún más reales los asesinatos y la sangre que fluye a raudales de los cuerpos masacrados por el asesino.

El sonido es muy bueno, la banda sonora es muy ad hoc a los momentos de la película, pues, en los asesinatos se utiliza música más bien rápida, un tanto roquera, peor cuando uqieren darle un ambiente de más suspenso, la música crea ese ambiente lúgubre y de incertidumbre en cuanto a que hará después el asesino o si será algún día pillado en el acto, para descubrir quién es en realidad.

El montaje por otro lado está bien hecho, los saltos temporales se entienden claramente y la línea de continuidad de la película pocas veces se pierde, quizás si estás muy cansado, no es recomendable ver esta película, pues hay partes que sale mucha información simbólica y te hace pensar bastante, lo que, en esos casos, podría crear un poco de somnolencia, y en el peor momento, ya que después de seguro que viene una parte importante y el cambio de música y los efectos sonoros y visuales pueden hacer que despiertes de un salto.

Como se dijo, la estructura dramática tiene un marcado tinte sangriento, donde da cabida a muchos asesinatos y la seguidilla de estos le da el punto de partida a la historia del asesino, que es tan solo, quizás, un incomprendido por esta sociedad y que en realidad, odiaba el día de los enamorados.

Es una película para ver acompañado, por un grupo de amigos o por tu pareja, pero ojo, no le vayas a dar un susto en el medio de la película, ya que puede vengarse tal cómo el protagonista.

El Charles Bronson Chileno (o idénticamente igual)

Director: Carlos Flores

Año: 1976-1984

Hablada en español

El comienzo de este documental es bastante atípico, se hace de un testimonio de un chico que cuenta sobre una escena de una película del verdadero Charles Bronson, donde es el último héroe de acción y el más temido por los forajidos. La inclusión de este chico tiene que ver con el contrato de realidad que nos hace el director, que nos muestra que el sueño del Bronson chileno debería andar por esos cánones.

Hay distintos tipos de cámaras dentro del filme, la mayoría son de tipo entrevista, pero no la típica cámara de talk show sino que más bien una cámara que sigue al personaje, lo interroga y nos muestra un poco más de lo que realmente quiere mostrarnos, incluso, en alguna parte, se nos conmina a ver parte de la filmación de la película que protagonizaría el imitador, gracias a la ayuda del mismo director del documental.

La luz y la calidad de la cámara están acorde a la época y los limitados recursos con que contaba la producción, pues aparte de ser muy caros los equipos, se perdía en algunos momentos la nitidez, incluso, en el filme al final, se notan algunos cuadros bastante oscuros y otros muy quemados, en esos años era previsible por lo anteriormente dispuesto, pero igual hacen un esfuerzo enorme para traernos este testimonio gráfico de lo que eran esos años, en plena dictadura, cualquier cosa que viniera desde fuera los sacaba del ensimismamiento contractual.

El sonido es uno de los puntos bajos, ya que hay algunas partes que simplemente no se escuchan, fallas también dadas por la implementación técnica del proyecto en esos años y a la poca sapiencia de los técnicos al tomar el sonido en el directo, incluso, al hacer el montaje de la película “bonus” se nota como incrustaron las voces de los protagonistas. Hay mucha voz en off, la que nos sitúa en el contexto y nos cuenta lo que Fenelón no cuenta en cámara.

Hay recreaciones muy chistosas, dignas de una película del verdadero Charles, pues, él, Fenelón, queda como héroe y salva la honra de su mujer, con su aspecto atlético y su pasado boxeril

La música está muy acorde con el relato y el contexto de época en que nos sitúa el filme, los setenta, época más bien hippie, dentro de lo posible con la dictadura y esa tensión entre la música desgarradora y las poses del protagonista, haciendo una campaña publicitaria no se condicen, pero igual hacen el juego que el productor quiere, llevar a un lugar del alma de Fenelón que no nos ha sido mostrado aún, pero lo será.

El montaje trata de seguir una línea de tiempo bastante marcada, claro que con tantos años de filmación si no existe una clara línea de continuidad se podría perder el hilo, pero no, lo logran básicamente con un relato de ese corte, directo, sin mayores alegorías técnicas, pero de una sobriedad característica del maestro Chaskel y que si bien, no hay certeza de que él lo haya realizado, está altamente influido por su escuela. Además hay que decir que el montar tantas horas y años de grabación debe haber sido un trabajo titánico, pero por eso se aprecia la prolijidad de este proceso, no dejando nada al azar y haciendo que este montaje se haga invisible, pero nos guie por el desarrollo del filme

Las entrevistas son buenas, pero carecen del elemento sonoro óptimo para entender al personaje, se pierden buenas cuñas y buenas partes de la historia por la falla del sonido de la entrevista, cosa que se podría haber subsanado con algo así cómo un over playback pero quedaba de mal gusto estéticamente hablando.

Los aspectos artísticos del producto audiovisual están bastante bien logrados, el punto de vista del autor se ve reflejado en el protagonista, pues con él trata de hacer salir de la realidad de la dictadura con la ingenuidad del Bronson chileno y la alegría que pone en sus películas y en su parecido, del que saca dividendos como loco, pues sabe que es su última oportunidad, luego de tanto peregrinar, llega a su lugar en el mundo

La historia es redondita, además de algunos episodios casi hilarantes cómo el viaje en tren, no se proyecta más allá de la ensoñación de este imitador chileno que llega a ser reconocido por el propio Charles Bronson, además de trabajar en un filme en el extranjero. Pero planito el documental, tiene sus giros dramáticos en la historia misma, pero no sale desde el personaje, por tanto el punto de vista podría quedar un poco flojo en ese sentido.

El tratamiento del personaje es óptimo, se trata de entrar más allá del imitador, llega a su familia, le saca testimonio a la gente en la calle y lo acompaña en su sueño quijotesco de hacer una película, que quizás solo tuvo repercusión en el círculo íntimo del actor y en los que tuvimos la oportunidad de ver este documental, pero más allá, como tratar de sacar la sicología del personaje en si o sus motivaciones profundas de su cambio a imitación, se pierden en la planicie del documental

El guión está, al igual que la historia, inmerso en una planicie que llegaría a aburrir si el personaje no fuera carismático y sacara la pega a como de lugar, siempre creyéndose el cuento de su personaje, incluso con su familia se le veía esa pose de estrella de medio pelo, pero estrella al fin en su tour por providencia.

La documentación e investigación se hace patente al escuchar al protagonista, no hay mayor apoyo visual sobre que fue de él, que hacía antes de ser “famoso” y ni siquiera muestra un footage de su participación en Sabado Gigantes, lo que me pareció un poco desprolijo de parte de los realizadores, cosa que, quizás por lo difícil de lidiar con la estación católica o con el dueño de los derechos de imagen del espacio televisivo, es entendible, pero al menos subterfugiamente podrían haber mostrado algo, no se dio y se echó de menos.

Estilo Documental

Este documental estaría enmarcado en una mirada expositiva donde muestra todo, sin mayores tapujos al espectador y con un concepto ya armado, saque sus propias conclusiones. Se vale de voces en off para dar la sensación de tener un ente omnisciente que le cuente lo que no dice el personaje o lo que los realizadores no pudieron o no quisieron mostrar (como en el caso del premio de SG que solo lo cuenta la voz en off)

En este tipo de documentales las imágenes sirve para ilustrar lo que eso era el personaje, además de dar el contexto y hábitat del mismo, por donde se mueve y hacia donde va.

Más que particularizar al personaje, lo trata de poner junto a la media de la población, cómo un caso extremo pero que siguió haciendo sus cosas y que además tiene sueños como su película, que gracias al equipo de este filme, puede hacer realidad, ya que le prestan toda la ayuda posible para que esto sea un hecho.

Eso si, el realizador prescinde de realizar comentarios sobre el personaje, para no caer en descalificaciones o tratar como meras quimeras las aspiraciones del “actor”, y bien lo ayuda a tratar de realizar su proyecto, a el también le servía como bagaje artístico y a sus amigos que apoyaron, para tener relevancia en sus áreas.

El espectador solo espera que todo termine, bien o mal, pero el hilo conductor nos e corta en ningún momento y les lanza información todo el rato, para no perder la atención del respetable.

Arrested development ¡serie de culto!

Arrested Development (2003-2006)



Serie de televisión ampliamente galardonada en los estados unidos, que cuenta la historia de una familia típica millonaria, que de un día a otro pierden todo por malos manejos de los dineros por parte del pater familia y de ellos mismos, despilfarrando fondos a diestra y siniestra, es por este actuar, que el jefe de hogar cae en la cárcel, mientras su imperio immobiliario se cae a pedazos, pero el hijo menor, debe mantener a flote a la familia y tratar de ordenar las finanzas de esta y recomponer los hábitos.
Es un producto bastante nuevo para la época, pues en medio de los primeros años de la guerra contra el terrorismo, se atreven a contar que el padre de la familia hacía negocios con irak y su presidente, lo cual, para una cadena como la FOX (ultra conservadora) es raro.
Sus personajes son entrañables, la familia Bluth, el padre George senior (Jeffrey Tambor) es un mujeriego, gozador y déspota con su hijo menor, que es el verdadero héroe de la familia, encarnado por el actor Jason bateman como Michael Bluth, el cual perdió a su señora por una extraña enfermedad y se tuvo que hacer cargo de su pequeño hijo, ahora adolescente George Michael Bluth (Michael Cera) quién tiene como un modelo a seguir el tezón y esfuerzo de su padre, quién a pesar de venir de cuna de oro, no la ha tenido fácil y siempre toma el camino más largo hacia sus deseos.
La madre Lucille (Jessica Walter) es una oda al gasto injustificado, paga una membresía en un exclusivo club, solo para saber las copuchas de la gente rica y famosa de la ciudad, y las ve negras cuando su marido se va tras las rejas y debe encargarse sola de la familia y de su hijo un tanto retrasado Byron “Buster” Bluth, él que por ser el menor, es el más apegado a su madre y es incapaz de madurar, además que cuando aburría a su madre, esta lo enviaba a hacer cursos bastante imbéciles cómo “arqueología básica” tan solo para mantenerlo ocupado y fuera de la casa y cuando de verdad necesitan de su ayuda y sus supuestos conocimientos, se trataba de otro bluff más de la cabeza de la familia para despilfarrar recursos.
Michael además debe lidiar con su hermano mayor G.O.B (George Oscar Bluth II) un mago de cuarta categoría que nunca creció y que se mete con puras actrices latinas (mención aparte para Leonor Varela que hace de novia de este personaje) también agarran camiseta la hermana gemela de Michael, Lindsay caracterizada por la pareja de Ellen degeneres (Portia de rossi) quién tiene una familia a todas luces disfuncional, con un marido que no se puede desnudar y que dejó su profesión de psiquiatra para hacerse actor (David Cross) y su hija Maeby quién hace de todo para desobedecer a sus padres, en señal de protesta al modo de vida que llevan.
El argumento es bastante claro, la alta concentración de personajes no hace que sea difícil, es más, le da aún un mejor contexto para el desarrollo de la acción dramática, que es sacar a la familia del hoyo financiero y emocional y sacar al patriarca de la cárcel, sin antes que pague por todos los dolos que pudo haber cometido.
Si bien la serie duró tres temporadas, quedaron cabos sueltos, los cuales han sido tratados de unir en una película, en forma de cierre de la historia que aún no ve la luz por disputas entre la dueña de los derechos y los productores y creadores de la serie, que desde el 2008 están haciendo anuncios de esta mentada película.
La idea es excelente, si se tiene en cuenta que hay pocas series que traten de familias ricas que quedan en la miseria, pero siguen en su estilo de vida, es casi una crítica velada al “american way of Life” que tantos problemas ha traído de un tiempo a esta parte, quizás si se le hubiera puesto mayor atención al transfondo político y social de esta, se podría haber puesto coto a esta situación, como por ejemplo de la crisis subprime.
En resumidas cuentas, es una serie que hay que darle más de una vuelta, sin abusar del humor gringo, es fácilmente entendible para el mundo hispanopensante y hace que las tardes aburridas sean un poco más llevaderas.
Quién ame las series gringas, debe tenerla en su videoteca.

Roger and Me...un grito contra el maldito capitalismo

Si no fuera porque el tema de este documental es bastante peliagudo, le podrían haber dado el premio al mejor documental de humor a Michael Moore, pues su humor punzante y ácido le da el marco perfecto a esta película para que no sea una lata ni menos una serie de tragedias proyectadas en la pantalla.

Además de esta apreciación, el tratamiento de la búsqueda del cabecilla de la General Motors no puede ser mejor retratado, además que en esos tiempos, el realizador no era ni medianamente conocido, por lo que podía pasear por cualquier lado, excepto en el edificio de la compañía automotriz de donde lo sacaron varias veces junto a su equipo, pero solo por llevar una cámara.

El Valor de una cámara

Tal como dice el subtítulo, el que en un determinado minuto exista una cámara, es muy importante y relevante, es más, en uno de los casos en que expulsan a una de las familias de Flint, Michigan de su casa, el que se encuentre la cámara de Moore, es ya bastante para que se termine con el desalojo, en primera instancia, luego, el comisario ya estuvo familiarizado con ella y sabía de que se trataba y no le daba miedo.

Por otro lado, en el edificio de GM en Detroit, también le temen a las cámaras, pero quizás es por la contingencia y porque no quieren que la gente sepa sus “secretos” o sus malas prácticas, y es el temor ya protocolizado en toda la sociedad que teme a las cámaras.

El dato técnico del documental es que tiene mucha pobreza técnica, al ser una de las primeras realizaciones del director, el hace casi todo, le falta andar con la cámara al hombro y tomar el mismo las imágenes que plasmará en el film.

Pero no es así, de hecho posee un grupo técnico que empieza a dar sus primeros pasos al igual que él, pero la tiene bien clara, sabe exactamente lo que quiere lograr con cada una de las imágenes que proyecta. Pero no es todo tan fácil, para nada, pero él lo hace ver sencillo, es tan simple para él que se ve sencillo, no lo es, pero tiene el don y eso nadie lo niega, de hecho, desde ese film que ha cosechado una gran cantidad de premios.

La historia en si es bastante sobrecogedora, con muchos flashbacks nos hace entrar en sus recuerdos, de su ciudad natal, de sus primeros logros periodísticos al mando de un diario local, su paso por la prensa grande de San francisco, los datos freaks sobre la cultura pop americana, donde en todo momento hace referencias de ella, con ídolos de su niñez cómo Pat Boone, el club de los recién casados y otros, todo esto apoyado con imágenes de archivo que hacen más creíble y divertida la inclusión de estos.

En todo caso, el uso de imágenes de archivo es importantísimo, de verdad, pues da todo el contexto de la situación, es decir, de una tierra fértil, llena de empleos, con sindicatos cada vez más empoderados, pasa a ser casi un pueblo fantasma, donde la delincuencia y la pobreza se instala en el paisaje urbano.

Lo otro es bastante surrealista, donde los ricos de la ciudad viven prácticamente en otro planeta, dando consejos a la gente que sobrelleve la crisis buscando otras maneras de subsistir, como a ellos no les pasa nada…

El documental cumple con creces su objetivo, entretiene informa y dan ganas de introducirse más en la historia de esa ciudad y de los movimientos sindicales y empresariales, donde cada vez más prefieren los servicios externos, pero esto es burdo, cambian la fábrica a México, donde los naturales de allá, cobran un tercio de los americanos y no tienen sindicatos, así no se puede señores

Roger and Me
Año: 1989
duración 91 minutos
País: EE.UU
Director: Michael Moore
Guión: Michael Moore
Género: documental
Productora: Warner Bros
Premios: del público, Festival de Toronto (1989)

Inception o el arte de confundir al espectador

Esta película tiene un argumento bastante futurista, donde el juego de cámaras, los apoyos de la técnica y la computación recrea el mundo interno de los personajes, donde DiCaprio interpreta a un ladrón de talla mundial, especializado en manejar las mentes de sus víctimas, que ha estudiado el tema y está probando una nueva modalidad de estos actos, el meterse en la mente de las personas y sacarle sus secretos mejor guardados, es así cómo es reclutado por un empresario bastante mafioso, que quiere apoderarse de una mega empresa que recientemente perdió a su dueño y que quedará en manos del hijo de este.

La trama es bastante enmarañada, cómo si el director, que además es el guionista, quisiera mostar mundos paralelos, y además, con muchas perspectivas y con cámaras dinámicas, que se mueven con los personajes y tomas de una calidad técnica increíbles nos hacen estar dentro de estos “origenes” creados por la joven arquitecta mental que contrató (Ellen Page).

En este punto, también cabe señalar la relación de sueño/realidad que se instaura en el relato, hay momentos que esta brújula se pierde y si no fuera por los acertados cortes del montajista el espectador se perdería en los intrincados laberintos que pretende construir Nolan.

Es una película para ver en la pantalla grande, quizás pierde bastantes atributos gráficos al pasar a la versión hogareña, pero siempre tendremos mayor tecnología para que esta conversión sea la menor posible.

El montaje está pensado para mantener el suspenso al máximo, pues si pierdes un segundo de la trama, se pierde la linealidad del relato, y esto, teniendo en cuenta que es una película bastante larga, para la mayoría de los títulos blockbusters que existen en la cartelera hoy por hoy, se logra y bastante bien, pues solo alguien con problemas atencionales, quedaría bastante “colgado” en este punto.

Las elipsis de tiempo estan bastante bien hechas, claro que, a veces en los cambios de tiempo o en la parte final, donde se revisan tres realidades mentales paralelas, se pierde un poco el foco y si no fuera porque son escenarios bastante distintos, tambien habria perdidas significativas del foco de la acción por parte del espectador.

La música, compuesta por el gran Zimmer, ganador de varios premios y reconocido por la crítica como uno de los grandes de Hollywood, son precisas, dan todo el ambiente post gótico y post moderno del relato, una sociedad bastante rara, que gracias a los avances de la física y de la química logran llegar a la mente humana y hacerse de los recuerdos más profundos del ser humano vulnerable.

Quizás deba verla de nuevo, pero los efectos, las cámaras y el guión la hacen un imperdible de este año, ojalá vengan cosas mejores de este director.

Ficha Técnica

Director: Christopher Nolan
Guión: Christopher Nolan
Productor: Christopher Nolan, Emma Thomas
Música: Hans Zimmer
Fotografía: Wally Pfister
Montaje: Lee Smith
Género: Acción, Ciencia Ficción, Thriller
Origen: Estados Unidos, Reino Unido
Duración: 142 minutos
Distribuidora: Warner
Interpretes: Leonardo DiCaprio,Marion Cotillard, Ken Watabe, Joseph Gordon-Levitt, Ellen Page, Michael Caine